Kā slavenu mākslinieku gleznas kļuva par daļu no modes, veidojot jaunu divdesmitā gadsimta stilu

2024 Autors: Richard Flannagan | [email protected]. Pēdējoreiz modificēts: 2023-12-16 00:12

Saikne starp mākslu un modi nosaka konkrētus vēstures brīžus. Abi šie nesēji atspoguļo sociālās, ekonomiskās un politiskās pārmaiņas no dārdošajiem divdesmitajiem līdz rosīgajiem astoņdesmitajiem gadiem. Šeit ir četri mākslinieku un modes dizaineru piemēri, kuri ar savu darbu palīdzēja veidot jaunu skatījumu uz 20. gadsimta mākslu un modi.

1. Halstons un Vorhols: Modes brālība

Roja Halstona un Endija Vorhola draudzība noteica mākslas pasauli. Gan Rojs, gan Endijs bija līderi, kas pavēra ceļu mākslinieka / dizainera padarīšanai par slavenību. Viņi novērsa mākslas pasaules pretenciozo aizspriedumu un ienesa masu modi un stilu. Lai izveidotu attēlus, Vorhols vairākas reizes izmantoja sietspiedi. Lai gan viņš noteikti neizgudroja šo procesu, viņš radīja revolūciju masveida ražošanas idejā.

Rojs, izmantojot vizuļus, ultras un zīdu, izmantoja vienkāršus un elegantus, tomēr krāšņus audumus un modeļus. Viņš bija viens no pirmajiem, kurš padarīja amerikāņu modi pieejamu un vēlamu. Abi atstāja savu pēdējo zīmi mākslā un stilā visu pagājušā gadsimta 60., 70. un 80. gadu, kas turpinās līdz pat šai dienai.

Gan Rojs, gan Endijs ir strādājuši kopā pie daudziem dažādiem projektiem. Vorhols izveidoja reklāmas kampaņas, kurās bija redzams Halstona apģērbs un pat pats Halstons. Savukārt Halstons dažās savās apģērbu kolekcijās izmantoja Vorhola ziedu apdruku, sākot no vakarkleitām un beidzot ar atpūtas komplektiem.

Rojs drēbēs izmantoja vienkāršus modeļus, kas padarīja tos ļoti veiksmīgus. Tie bija ērti valkājami, taču tiem bija arī greznības pieskaņa, pateicoties audumiem, krāsām un izdrukām. Vorhols arī vienkāršoja savus materiālus un procesu. Tas atviegloja viņa darbu reproducēšanu un padarīja tos pārdodamākus.

Komerciālajiem panākumiem ir bijuši savi izaicinājumi abiem māksliniekiem. Halstons 1982. gadā pirmais sadarbojās ar mazumtirdzniecības tīklu JCPenney, un tas ir ietekmējis viņa zīmola kvalitāti. Arī Vorhols tika kritizēts, jo viņa darbs tika uztverts kā virspusējs. Tomēr abi ir modernizējuši savu mazumtirdzniecības un mārketinga izmantošanu attiecīgajās telpās, lai izveidotu zīmolus masveida pārdošanai.

Rojs un Endijs bija bieži studijas 54 apmeklētāji. Viņi rīkoja ballītes, izstrādāja un izgatavoja darbus tādām slavenībām kā Liza Minnelli, Bianca Jagger un Elizabeth Taylor. Tas viss atspoguļojas viņu darbā, jo tie iedvesmoja un definēja 70. gadu disko laikmetu.

Halstons bija pazīstams ar mirdzošu vakara apģērbu radīšanu. Rojs uzlika fliterus uz auduma horizontāli, radot mirdzošu materiāla efektu, ko viņš izmantoja, lai radītu greznus tērpus, kurus mīlēja daudzas krāšņas dāmas.

Vorhola dimanta putekļu apavu sērija ilustrē arī Studio 54 naktsdzīvi un tajā dzīvojošās slavenības. Dimanta putekļi ir tas, ko viņš izmantoja virs trafaretiem vai gleznām, radot gabalam papildu dziļuma elementu. Un viņa kurpes sākotnēji bija Halstona reklāmas kampaņas ideja. Katrā ziņā šie divi deva milzīgu ieguldījumu modē, atstājot aiz tiem neizdzēšamas pēdas. Patiešām, pat šodien daudzi mūsdienu dizaineri ir iedvesmojušies no Endija un Roja idejām, radot lieliskas kolekcijas ar pagātnes atbalsīm.

2. Sonia Delaunay: Kad māksla kļūst par modi

Sonia Delaunay ne tikai radīja revolūciju jaunā kubisma formā, bet arī ieviesa saikni starp mākslu un modi. Gan Delaunaja, gan viņas vīrs bija orfisma pionieri un mākslā eksperimentēja ar dažādiem abstrakcijas veidiem. Viņa bija pirmā šāda veida persona, kas izmantoja savu māksliniecisko stilu un pārcēlās uz modes pasauli, izmantojot savus oriģinālos tekstilizstrādājumus, izdrukas vai modeļus. Viņa vairāk tiek atcerēta par mākslu un saikni ar vīru, nevis par modi. Viņas stilam bija liela nozīme 20. gadsimta 20. gados, un viņas apģērbu katalogu vairāk atceras fotogrāfijas un atsauces uz viņas mākslu, nevis paši apģērbi. Sonyai bija un nav robežu starp mākslu un modi. Viņai tie ir viens un tas pats.

Savu modes biznesu viņa uzsāka pagājušā gadsimta divdesmitajos gados, radot apģērbu klientiem un izstrādājot audumus ražotājiem. Sonya sauca savu etiķeti par vienlaicīgu un vēl vairāk izmantoja krāsu un rakstu izmantošanu dažādās tēmās. Viņas darbā svarīga loma bija vienlaicīgumam, un viņas neparastā tehnika atgādināja raibu segu vai tekstilizstrādājumus no Austrumeiropas: krāsas tika uzliktas viena otrai, un tika izmantoti raksti, lai radītu harmoniju un ritmu. Viņas kopīgās tēmas ietver kvadrātus / taisnstūrus, trīsstūrus un diagonālās līnijas vai sfēras - tās visas pārklājas viņas dažādos dizainos.

Delaunaja bija jauna sieviete Edvarda laikmetā, kad korsetes un atbilstība bija norma. Tas mainījās pagājušā gadsimta divdesmitajos gados, kad sievietes sāka valkāt svārkus virs ceļa un vaļīgu, pieguļošu apģērbu. Šo aspektu var redzēt Delaunaja dizainā, un viņa aizraujas ar tādu apģērbu radīšanu, kas atbilst sieviešu vajadzībām. Sonya izstrādāja peldkostīmus, kas ļāva sievietēm justies ērtāk pat sportojot un peldoties. Viņa uzlika savus izdrukas uz mēteļiem, apaviem, cepurēm un pat automašīnām, kā audeklu izmantojot jebkuru virsmu. Viņas dizains radīja pārvietošanās un izteiksmes brīvību, izmantojot krāsu un formu.

Visas savas karjeras laikā viņa pastāvīgi izmēģināja sevi kaut ko jaunu, kā rezultātā pārcēlās uz kino un teātri. Sonija veidoja tērpus Renē Le Somptjē filmai “Mazā parīziete”, bet viņas vīrs - filmas scenogrāfiju. Viņai patika ģeometriskas formas, veikli apvienojot un sajaucot tās savā starpā, radot dīvainus modeļus un šķeltas līnijas, kas kļuvušas par viņas iezīmi.

3. Sadarbība starp Elzu Šjaparelli un Salvadoru Dalī

Sirreālās mākslas avangards ir apvienots ar sirreālās modes līderi. Salvadors Dali un modes dizainere Elsa Šjaparelli visas karjeras laikā ir sadarbojušies un iedvesmojuši viens otru. Viņi radīja tādus ikoniskus izskata veidus kā omāru kleita, apavu cepure un asaru kleita, kas šokēja un iedvesmoja auditoriju gan mākslā, gan modē. Dali un Schiaparelli pavēra ceļu turpmākai sadarbībai starp modes dizaineriem un māksliniekiem, samazinot plaisu starp valkājamo mākslu un modi. Dali savā darbā izmantoja omārus kā atkārtotu tēmu, un viņu interesēja viņu anatomija.

Kleita "Omar" ir Elzas un Dalī kopdarbs, un to radīšana izraisīja daudz strīdu ne tikai debijas dienā, bet arī pēc tās. Pirmkārt, tai ir tīrs ņieburs un balti organzas svārki. Neparastais apģērbs burtiski uzspridzināja modes pasauli, izraisot daudz strīdu par šo rezultātu. Baltā auduma izmantošana arī kontrastē ar omāra sarkano krāsu. Balto krāsu var uzskatīt par neapstrādātu vai simbolizēt tīrību, salīdzinot ar sarkanu, kas var nozīmēt relaksāciju, spēku vai briesmas.

Skeleti ir vēl viena tēma, kas atrodama sirreālajā mākslā un ir izmantota vairāk sadarbībā starp Dali un Schiaparelli. Skeleta kleita bija pirmā šāda veida kleita. Elza izmantoja paņēmienu, ko sauc par trapunto, kur divi auduma slāņi ir sašūti kopā, izveidojot kontūru, kur tiek ievietota vatelīna, tādējādi radot paaugstinātu efektu. Šis paņēmiens rada teksturētu virsmu uz līdzena auduma, radot ilūziju, ka caur kleitu izvirzās cilvēku kauli. Tas izraisīja skandālu, jo kleita bija izgatavota no elastīga materiāla, kas pielīp pie ādas. Dali gleznu un zīmējumu fantāzijas tika iemiesotas Schiaparelli tērpu nereālajā pasaulē, kas līdz pat šai dienai atstāj neizdzēšamu iespaidu gan uz skatītājiem, gan dizaineriem.

4. Īvs Senlorāns: Mākslas un iedvesmas sadursme

Kur ir robeža starp atdarināšanu un novērtēšanu? Kritiķi, auditorija, mākslinieki un dizaineri ir cīnījušies, lai noteiktu, kur šī līnija iet. Tomēr, runājot par Īvu Senlorānu, viņa nodomi bija nekas cits kā glaimošana un apbrīna par māksliniekiem un gleznām, kuras viņš izmantoja kā iedvesmu. Aplūkojot savu plašo portfeli, Sentlorānu iedvesmoja kultūra un māksla no visas pasaules, ko viņš veiksmīgi iekļāva savā apģērbā.

Lai gan Īvs nekad nesatika māksliniekus, kas viņu iedvesmoja, tas netraucēja viņam radīt mākslas darbus kā cieņas zīmi pret viņiem. Laurens iedvesmojās no tādiem māksliniekiem kā Matīss, Mondriāns, Van Gogs, Žoržs Braks un Pikaso. Viņš bija mākslas kolekcionārs un savāca Pikaso un Matīsa gleznas, kuras pakarināja savās mājās.

Īvs paņēma dažus mākslas motīvus un pārvērta tos satriecošā apģērbā, kas godina dažus no viņa iecienītākajiem māksliniekiem. Sešdesmitie gadi bija revolūcijas un komercializācijas laiks, jauns modes un mākslas laikmets. Senlorāna projekti guva komerciālus panākumus, kad viņš sāka smelties iedvesmu no popmākslas un abstrakcijas. 1965. gadā viņš izveidoja divdesmit sešas kleitas, kuras iedvesmojis Pīta Mondriana abstraktās gleznas. Kleitas iemiesoja Mondriāna vienkāršoto formu un drosmīgo pamatkrāsu izmantošanu. Īvs izmantoja tehniku, kurā starp auduma slāņiem nebija redzamas vīles, kas radīja iespaidu, ka apģērbs ir viens vesels gabals. Sentlorāns ņēma Mondriāna mākslu no 20. gadiem un padarīja to valkājamu salīdzinājumā ar 20. gadsimta 60. gadiem.

Modes kleitas ir klasiski 1960. gadu stila piemēri. Tie bija līdzīgi 20. gadsimta 20. gadu apģērbam, kas bija mazāk ierobežots un ar piedurknēm un apakšlīnijām, kas atklāja lielus ādas plankumus. Sentlorāna kvadrātveida silueti lika sievietēm justies vieglām un brīvām. Tas viņu arī iedvesmoja no tādiem popmākslas māksliniekiem kā Toms Veselmans un Endijs Vorhols. Viņš izveidoja popmākslas iedvesmotu dizainu, kurā viņa apģērbam bija silueti un izgriezumi. Tas bija par ierobežojumu pārvarēšanu, kas mākslā ir abstrakcija, un dizaina komercializāciju. Laurens apvienoja šīs divas idejas, lai radītu sievietēm brīvas un modernām dāmām pievilcīgas drēbes.

Sentlorāna Vincenta Van Goga jakas ir piemērs tam, kā Īvs apvienoja mākslinieka iedvesmu ar saviem dizaina talantiem. Tāpat kā citi viņa apģērbi, arī ar mākslinieku saistītās tēmas netika kopētas un ielīmētas Sentlorāna apģērbā. Tā vietā viņš izvēlējās tos izmantot kā iedvesmas avotu un radīt gabalus, kas atspoguļo viņa paša stilu. Jaka ir 80. gadu stila piemērs, kas ir izšūts ar saulespuķēm gleznainajā Van Goga stilā.

Lorāns ir sadarbojies ar augstās modes izšuvumu līderi Maisonu Lesage. Jaka "Saulespuķes" ir izšūta ar cauruļveida pērlītēm. Ziedi ir piepildīti ar dažādu toņu oranžām un dzeltenām dzirkstiņām. Tādējādi tiek radīta daudzdimensiju tekstūra, kas līdzīga Van Goga paņēmienam uzklāt uz audekla biezu krāsu. Tiek lēsts, ka tas ir viens no dārgākajiem augstās modes priekšmetiem, kāds jebkad ražots un pārdots Christie's par gandrīz četrsimt tūkstošiem eiro. Saint Laurent pavēra ceļu apģērba kā mākslas darba valkāšanai pats par sevi neatkarīgi no modes un laika perioda.

Turpinot tēmu, lasiet arī par kas noveda pie Saeko Yamaguchi panākumiem, padarot viņu par vienu no mīļākajām Kenzo un Yamamoto mūzām.