Kurš Rodins patiešām radīja "Domātāju" vai "Sēru": slaveno mākslas darbu patieso nozīmi

2024 Autors: Richard Flannagan | [email protected]. Pēdējoreiz modificēts: 2023-12-16 00:12

Ikviens var viegli pamanīt, ka skumjas tēma ir ļoti populāra mākslinieku vidū. Un bieži vien mūsdienu cilvēki pat nezina par dažu gleznu vai skulptūru rašanās vēsturi un to patieso nozīmi.

"Venēcijas Stenlija portrets, lēdija Digbija" Van Diks

Šķiet, ka jaunā sieviete mierīgi guļ. Neskatoties uz to, kad flāmu mākslinieks Entonijs van Diks 1633. gadā mēģināja uz audekla nodot visu Venēcijas Stenlija aristokrātisko skaistumu, lēdiju Digbiju, viņš patiesībā gleznoja … divu dienu veca līķa portretu, kas gulēja uz nāves gultas.

Bēdājoties no bēdām, atklājot, ka viņa sieva pēkšņi nomira naktī, 33 gadu vecumā, Venēcijas vīrs sers Kenelms Digbijs lūdza karaļa Kārļa I galma gleznotājam Van Dikam uzzīmēt savu aizgājušo sievu "ķirurgu un koroneru priekšā". ieradās."

Entonijs van Diks rakstīja Venēciju, Lēdija Digbija savā nāves gultā 1633. gadā - divas dienas pēc tam, kad sieviete nomira miegā

Van Dijks sāka strādāt, ignorējot briesmīgās izmaiņas, kas notiek cilvēka ķermenī pēc nāves. Uz bālās, burvīgās Venēcijas kakla viņš uzzīmēja pērļu kaklarotu, un uz lapas malas izkaisīja rožu ziedlapiņas. Digbijs uzskatīja, ka Van Dika glezna, kas tagad atrodas Londonas Dulvičas mākslas galerijā, ir mākslinieka radīšanas vainags. Pēc viņa teiktā, šī "roze" pat no pirmā acu uzmetiena šķita "izbalējusi" un tai vajadzēja simbolizēt viņa sievas nāvi.

Neskatoties uz to, ka pagājuši gandrīz četri simti gadu, joprojām klīst baumas, ka Digbijs, kurš bija ne tikai galminieks un diplomāts, bet arī izgudrotājs un alķīmiķis, pats izraisīja sievas nāvi. Daži saka, ka viņš Venēcijai deva dzert odzes asiņu maisījumu, ar kuru viņš cerēja saglabāt tās skaistumu. Citi uzskata, ka viņš viņu nogalinājis greizsirdības uzplūdā - galu galā viņš it kā reiz teicis par Venēcijas bēdīgi slaveno izvirtību, ka "gudrs un spēcīgs vīrietis var izveidot godīgu sievieti pat no bordeļa darbinieka". Interesanti, ka, lai gan tika veikta autopsija, tās rezultāti nav saglabāti.

Tomēr Digbijs nonāca Venēcijas nāves postā. Viņš rakstīja savam brālim, ka Van Dika pēcnāves portrets “ir vienīgais pastāvīgais pavadonis, kas man tagad ir. Viņš visu dienu stāv pie mana krēsla un galda … un visu nakti pie gultas. Kad uz viņu krīt vāja mēness gaisma, man šķiet, ka es tiešām redzu viņu mirušu."

Citiem vārdiem sakot, saskaņā ar Digbija vēstuli mazā Van Dika eļļas glezna, kuras izmērs nepārsniedz vienu kvadrātmetru, ir kļuvusi par mierinājumu un mierinājumu bēdu skartajam atraitnim. Ja attēlā redzamā roze patiešām ir dzīves īslaicīguma "emblēma", pati bilde simbolizē to, ko var saukt par skumju mākslu.

Papildus bēru pieminekļiem baznīcās, kas tika uzstādīti galvenokārt mirušā piemiņai, skumju tēma Rietumu mākslā pirms Van Dika laikmeta, viduslaikos un renesanses laikā, kā likums, bija atrodama tikai reliģiskajos glezna un skulptūras, kas veltītas traģiskajam Kristus nāves stāstam. …

Mikelandželo Pieta Svētā Pētera bazilikā

Mikelandželo satriecošais marmora pītais Svētā Pētera bazilikā ir vienīgais tēlniecības darbs, ko viņš jebkad parakstījis. Viņa attēlo sērojošo Jaunavu Mariju ar klēpī guļošo mirušo Kristu. Tas, iespējams, ir slavenākais piemērs, taču ir daudz citu. Piemēram, var izcelt cita augstas renesanses mākslinieka un Mikelandželo drauga Sebastiano del Piombo gleznu. Pēc Nacionālās galerijas ekspertu domām, glezna (pie kuras del Piombo strādāja kopā ar Mikelandželo) "Mirušā Kristus žēlošanās" (ap 1512-1516) ir "pirmā liela mēroga nakts ainava vēsturē" un tās mēness apspīdētās debesis lieliski atbilst drūmajam noskaņojumam.

Mikelandželo Pieta Svētā Pētera bazilikā ir slavena versija vienam no visbiežāk sastopamajiem attēliem katolicismā: Jaunavas Marijas bēdām par dēla nāvi.

Protams, tradicionālo tēmu - sēras par Kristu - attēlojuši daudzi slaveni mākslas vēstures autori, sākot no Džoto un Mantegnas līdz pat Rubensam un Rembrantam. Šie ir tikai daži no tūkstošiem mākslinieku, kuri gadsimtiem ilgi vienā vai otrā veidā attēlojuši šo Bībeles ainu. Patiešām, sēru māksla ir kļuvusi tik visuresoša, ka dažreiz cilvēki aizmirst to, uz ko viņi skatās. Rodina jaunās izstādes kuratore Britu muzejā nesen publicēja rakstu, kas liek domāt, ka slavenā franču skulptūra “Domātājs” patiesībā būtu jāsauc par sērotāju. “Paskaties cieši pie rokas un zoda,” sacīja Ians Dženkinss, sengrieķu mākslas autoritāte. - Ja šis cilvēks par kaut ko domātu, viņš būtu ar roku aizklājis zodu ar domāšanas žestu. Bet šajā skulptūrā roka atbalsta zodu. Un Senajā Grieķijā tas bija sēru žests."

Arnolda Boklina "Mirušo sala"

Arnolda Boklina eļļas glezna uz koka "Mirušo sala", 1880. Tās sižeta pamatā ir sengrieķu mitoloģija. Glezna iedvesmoja Žaka Turnera tāda paša nosaukuma šausmu filmu

Ja ievadāt vārdu "bēdas" jebkura starptautiska muzeja tiešsaistes meklētājā, tas atgriezīs daudzus rezultātus. Piemēram, Apvienotajā Karalistē, meklējot šo atslēgvārdu vietnē Tate Gallery, tika atrasti 143 mākslas darbi par bēdu un ciešanu tēmu dažādos periodos.

Piemēram, 18. gadsimtā bēdas un skumjas mākslinieki sāka aplūkot caur Šekspīra drāmas prizmu. Mīļākā tēma bija karaļa Līra meitas Kordēlijas nāve. 19. gadsimtā Džona Evereta Millaisa satriecoši detalizētā glezna Ofēlija (1851–52), kurai modele Elizabete Sidala četras mēnešus ik dienas pozēja vairākas stundas vannā, ir slavena un ļoti poētiska skumju vizuālā izpausme. Tajā ir attēlota dāņu muižniece no Šekspīra Hamleta, kura aiz skumjām pārņēma noslepkavoto tēvu un noslīka strautā.

Rodina domātājs

Īans Dženkinss no Britu muzeja uzskata, ka Rodina “Domātāju” vajadzētu saukt par “Sērojošo”, jo šī figūra balstīja zodu sakostā dūrē - tā ir skaidra zīme, ka cilvēks ir atrauts un iegrimis savās bēdās.

Bēdas bija ļoti svarīga mākslinieku tēma Viktorijas laikmetā, kad bija populāra sarežģīta "sēru kultūra". Savā Nāves mākslā (1991) mākslas vēsturnieks Naidžels Lelvvelins atzīmē, ka "iespaidīga nāves vizuālā kultūra" bija 19. gadsimta pazīme.

Pikaso "Raudoša sieviete"

20. gadsimtā mākslinieki turpināja savu Viktorijas senču tradīciju savos darbos paust skumjas. Varbūt labākais piemērs ir Pikaso raudošā sieviete (1937), kas saistīts ar viņa tā paša gada episko gleznu Gērnika, kas tapusi Spānijas pilsoņu kara laikā, reaģējot uz vācu lidmašīnu bombardēšanu Basku pilsētā. Daudzi uzskata, ka Gērnika ir 20. gadsimta kolektīvo bēdu izpausme. Protams, ir daudz piemēru citām 20. gadsimta gleznām, kuru tēma ir saistīta ar skumjām. Piemēram, jūs varat atcerēties nelielu Lūcijana Freida gleznu, kuru viņš uzgleznoja 1973. gadā - viņa mātes portretu, kuru skumdināja vīra nāve.

Frānsisa Bēkona "Triptihs"

Frensiss Bēkons Triptiha kreisajā panelī (1972. gada augusts) uzgleznoja savu mīļāko Džordžu Daieru, kurš izdarīja pašnāvību

Frānsisa Bēkona Triptihs, kas arī šodien tiek demonstrēts Teitā, ir spējis pieskarties gan personīgajām, gan publiskajām bēdām. Viens no Bekona tā dēvētajiem melnajiem triptihiem tika uzgleznots pēc viņa mīļotā Džordža Dajera pašnāvības, kura attēls redzams kreisajā panelī. Tādējādi triptihs ir neaizmirstama un ļoti personiska liecība par gleznotāja ciešanām (kas, starp citu, ir attēlots labajā panelī).

Protams, divi pasaules kari 20. gadsimtā varēja tikai ietekmēt mākslu. Mākslas kritiķi apgalvo, ka karam bija liela ietekme uz to, kā mākslinieki attēloja bēdas, salīdzinot ar 19. gs. Atšķirībā no Viktorijas laika sēru, kur atsevišķas ģimenes piedzīvoja individuālas bēdas, gandrīz katra ģimene Eiropā pēkšņi cieta.

Kara piemiņas vietas

Viena no šīm sekām bija oficiālie valdības centieni "radīt atbilstošu sēru vizuālo kultūru". Viktorijas laika iemīļotās klasiskās, alegoriskās bēru figūras izgāja no modes. Viņu vietā bija kara piemiņas zīmes, kas uzsvēra kopējo nacionālo upuri, nevis atsevišķu cilvēku zaudēšanu.

Edenīna Lutjena veidotais Cenotaph War Memorial pie Londonas Whitehall, ir arhetipisks šīs jaunās pieejas piemērs: Cilvēka figūru vietā ir tukšs zārks, ko var saistīt ar jebkuru karavīru. Sērojošās ģimenes to var izmantot kā universālu simbolu.

Taryn Simon veidoja instalāciju "Occupation of Loss", kurā piedalījās 21 "profesionāls sērotājs" no dažādām kultūrām

Bēdu daudzpusība joprojām ir mūsdienu mākslinieku aplūkota tēma. Šā gada sākumā amerikāņu fotogrāfe Taryna Saimona saņēma atzinīgus novērtējumus par savu dzīvo instalāciju Occupation of Loss, kas iestudēta pazemes zālē Londonas ziemeļos. Darbam, kura pirmizrāde notika Ņujorkā 2016. gadā, Saimons uzaicināja 21 “profesionālu sērotāju” no visas pasaules, tostarp Albānijas, Azerbaidžānas, Ekvadoras, Ganas un Venecuēlas. Skatītāji varēja uzklausīt katru no šīm sievietēm.