9 izcilu mākslinieku šedevri, kuri iedvesmoja lieliskus modes dizainerus un radīja unikālas kolekcijas

2024 Autors: Richard Flannagan | [email protected]. Pēdējoreiz modificēts: 2023-12-16 00:12

Visā vēsturē mode un māksla ir gājušas roku rokā, lai radītu lielisku kombināciju. Daudzi modes dizaineri savām kolekcijām ir aizņēmušies idejas no mākslinieciskām kustībām, kas ļāvis modi interpretēt kā mākslas veidu, kas galvenokārt kalpo ideju un vīziju paušanai. To ietekmē daži starptautiski pazīstami modes dizaineri ir izveidojuši izcilas kolekcijas, kuru pamatā ir 20. gadsimta mākslinieciskās kustības.

1. Madlēna Vionne

Madameine Vionne kundze, dzimusi Francijas ziemeļu centrālajā daļā 1876. gadā, bija pazīstama kā "stila dieviete un šūšanas karaliene". Uzturoties Romā, viņa aizrāvās ar grieķu un romiešu civilizāciju mākslu un kultūru, un viņu iedvesmoja senās dievietes un statujas. Balstoties uz šiem mākslas darbiem, viņa veidoja sava stila estētiku un apvienoja grieķu tēlniecības un arhitektūras elementus, lai sievietes ķermenim piešķirtu jaunu dimensiju. Ar savu prasmi drapēt un šķībi kleitas Madlēna radīja revolūciju mūsdienu modē. Savās mākslas kolekcijās viņa bieži konsultējās ar tādiem mākslas darbiem kā Samotrakijas spārnotā uzvara.

Līdzības starp hellenistiskās mākslas šedevru un Vionnes mūzu ir pārsteidzošas. Dziļa auduma drapēšana grieķu hitona stilā rada vertikālas gaismas svītras, kas plūst lejup pa figūru. Skulptūra tika radīta, godinot grieķu uzvaras dievieti Niku, un tiek apbrīnota par tās reālistisko kustības attēlojumu. Plūstošais Vionnet dizaina drapējums atgādina bangojošā auduma kustību, kas pielīp pie Nike ķermeņa. Kleitas var būt kā dzīvas būtnes ar dvēseli, piemēram, ķermenis. Tāpat kā Samotrakijas spārnotā uzvara, Madlēna radīja kleitas, kas pamodina dziļi sevī slēpto cilvēka būtību. Klasicisms, gan estētiskā filozofija, gan dizaina filozofija, deva Vionnei iespēju savu redzējumu nodot ģeometriskā harmonijā.

Viņu aizrāva arī tādas laikmetīgās mākslas kustības kā kubisms. Madlēna savos darbos sāka iekļaut ģeometriskas formas un pieņēma citu to griešanas metodi, ko sauc par slīpā griešanu. Protams, Vionne nekad apgalvoja, ka nav izgudrojis slīpo griezumu, bet tikai paplašināja tā izmantošanu. Tā kā divdesmitā gadsimta sākumā sievietes guva lielus panākumus cīņā par savām tiesībām, Madlēna aizstāvēja savu brīvību, atceļot ilgstošo Viktorijas laika korseti no sieviešu ikdienas valkāšanas. Tāpēc viņa kļuva par simbolu sieviešu atbrīvošanai no krūšu kurvja ierobežojumiem un tā vietā izlaida jaunus, vieglākus audumus, kas burtiski plūda uz sieviešu ķermeņiem.

2. Pjerpaolo Pikoli

Pierpaolo Piccioli ir Valentino galvenais dizainers, un viņu ļoti piesaista viduslaiku reliģiskie darbi. Iedvesmas sākumpunkts viņam ir pārejas brīdis no viduslaikiem uz ziemeļu renesansi. Viņš sadarbojās ar Zandru Rodu, un kopā viņi 2017. gada pavasarī izstrādāja iedvesmojošu kolekciju. Pikoli vēlējās 70. gadu beigu panku kultūru saistīt ar humānismu un viduslaiku mākslu, tāpēc atgriezās pie savām saknēm un renesanses laikiem, rodot iedvesmu Hieronīma Boša gleznā Zemes prieku dārzs.

Slavenais holandiešu gleznotājs bija viens no ievērojamākajiem Ziemeļu renesanses pārstāvjiem 16. gadsimtā."Zemes prieku dārzā", ko Bošs gleznoja pirms reformācijas, mākslinieks vēlējās attēlot Paradīzi un cilvēces radīšanu, pirmo Ādama un Ievas kārdinājumu, kā arī elli, paredzot grēciniekus. Vidējā rūtī šķiet, ka cilvēki apmierina savas apetītes baudas pasaulē. Bosch ikonogrāfija izceļas ar oriģinalitāti un jutekliskumu. Visa aina tiek interpretēta kā grēka alegorija.

Modes pasaulē glezna ieguva popularitāti, jo dažādi modes dizaineri aizrāvās ar tās motīviem. Apvienojot laikmetus un estētiku, Pikoli pārstrādāja Boša simbolus ar lidojošām caurspīdīgām kleitām, savukārt Roda radīja romantiskas izdrukas un izšūtus rakstus, kas nedaudz līdzinās oriģinālajam mākslas darbam. Krāsas noteikti bija daļa no vēstījuma, ko dizaineri vēlējās nodot. Tādējādi lidojošo sapņaino kleitu kolekcijas pamatā ir ābolu zaļo, gaiši rozā un zilo sarkano sarkano olu ziemeļu krāsu palete.

3. Dolce un Gabbana

Pīters Pols Rubens meistarīgi gleznoja sievietes ar mīlestību, mācīšanos un centību. Viņš pasniedza savu “Venēru spoguļa priekšā” kā augstāko skaistuma simbolu. Pīters attēloja tikai viņas gaišo seju un gaišos matus, kas kontrastē ar tumšādainu istabeni. Spogulis ir absolūts skaistuma simbols, kas ierāmē sievieti kā portretu un vienlaikus smalki uzsver figūras kailumu. Spogulis, ko Kupidons tur dievietei, parāda Venēras atspulgu kā erotiskas pievilcības un vēlmes attēlojumu. Rubenss, kurš bija viens no baroka mākslas pamatlicējiem, un viņa jēdziens "krāsas pār līnijām" ietekmēja vairākus modes dizainerus, tostarp Dolce & Gabbana. Baroka stils novirzījās no renesanses gara, pameta rāmumu un gludumu un tā vietā meklēja eleganci, satraukumu un kustību.

Modes dizaineri Domeniko Dolce un Stefano Gabbana vēlējās izveidot kampaņu, kas atzīmētu sieviešu skaistuma juteklisko, kā arī romantisko pusi. Pīters Pols Rubenss bija vispiemērotākais iedvesmas avots. Kulta dueta darbi lieliski saskanēja ar flāmu mākslinieka mākslu. Šajā kolekcijā modeles pozēja ar lielu muižniecību, izskatoties tā, it kā būtu tikko atkāpušās no vienas Rubensa gleznas. Rotājumi tika veidoti tā, lai atgādinātu baroka spoguļus un izšūšanas detaļas. Figūru graciozitāti un pasteļtoņu paleti skaisti uzsvēra brokāta rozā kleita. Modes dizaineru izvēle iekļaut dažādus modeļus vēl vairāk veicināja šī laikmeta ķermeņa tipu. Izliektās līnijas, kuras izmantoja Dolce un Gabbana, bija pretrunā dažādu ķermeņa tipu diskriminācijai modes industrijā.

Dolce un Gabbana sieviešu rudens 2012. gada kolekcija demonstrē daudzas Itālijas baroka arhitektūras iezīmes. Šī kolekcija lieliski atbilst Sicīlijas baroka stila bagātīgi iekārtotajām iezīmēm. Dizaineri koncentrējās uz baroka arhitektūru, kā tas redzams Sicīlijas katoļu baznīcās. Atsauces punkts bija Rubensa glezna "Austrijas Annas portrets". Karaliskajā portretā Austrijas Anna ir attēlota spāņu veidā. Annas melno kleitu rotā vertikālas zaļu izšuvumu svītras un zelta detaļas. Mākslīgi veidotas kleitas un apmetņi, kas izgatavoti no tādiem grezniem tekstilizstrādājumiem kā mežģīnes un brokāta, ir kļuvuši par Dolce un Gabbana šova galveno iezīmi, kas iekaroja pasauli ar savu radošumu.

4. Kristobals Balenciaga

Kristobalu Balenciagu var saukt par īstu meistaru, kurš divdesmitajā gadsimtā reformēja sieviešu modi. Dzimis nelielā Spānijas ciematā, viņš savos mūsdienu projektos ienesa Spānijas mākslas vēstures būtību. Visā savas karjeras laikā Balenciagu iespaidoja spāņu renesanse. Viņš bieži meklēja iedvesmu no Spānijas karaliskās ģimenes un garīdzniekiem. Modes dizainers pārveidoja laikmeta baznīcas priekšmetus un klostera halātus par valkājamiem modes šedevriem.

Viens no viņa lielajiem iedvesmotājiem bija manierists El Greko, pazīstams arī kā Dominikos Teotokopuls. Aplūkojot kardinālu El Greko Fernando Niño de Guevara, jūs varat redzēt līdzības starp kardināla apmetni un Balenciaga dizainu. Glezna attēlo spāņu kardinālu Fernando Niño de Guevara no El Greko laika Toledo. El Greko idejas tika aizgūtas no itāļu renesanses neoplatonisma, un šajā portretā viņš pasniedz kardinālu kā Dieva žēlastības simbolu. Manierisms ir redzams visā attēlā. Tas ir pamanāms iegarenā figūrā ar mazu galvu, graciozām, bet dīvainām ekstremitātēm, intensīvām krāsām un klasisko mēru un proporciju noraidīšanu.

Balenciaga aizraušanās ar vēsturisko apģērbu ir redzama šajā ekstravagantā vakara mētelī no viņa 1954. gada kolekcijas. Viņam bija redzējums un spēja izgudrot formas mūsdienīgā veidā. Šī mēteļa pārspīlētā apkakle sasaucas ar kardināla apmetņa maigo stilu. Kardināla drēbju sarkanā krāsa simbolizē asinis un viņa gatavību mirt par ticību. Slavenais dizainers spilgti sarkano krāsu uzskatīja par neparastu, jo viņš bieži deva priekšroku drosmīgām krāsu kombinācijām un dinamiskām nokrāsām. Viņa lielais jauninājums bija vidukļa līnijas likvidēšana un plūstošu līniju, vienkāršu griezumu un trīs ceturtdaļu piedurkņu ieviešana. To darot, Balenciaga radīja revolūciju sieviešu modē.

Dizaineris arī ieviesa aproces garumā piedurknes, kas ļāva sievietēm demonstrēt savas rotas. Sešdesmitajos gados, pakāpeniski ievedot sievietes darba industrijā, Balenciagai radās ideja piešķirt ģērbtajām sievietēm komfortu, brīvību un funkcionalitāti. Viņš reklamēja vaļīgas, ērtas kleitas, kas kontrastēja ar dienas formām atbilstošajiem siluetiem.

5. Aleksandrs Makvīns

Austriešu mākslinieks, simbolikas meistars un Vīnes atdalīšanās kustības dibinātājs Gustavs Klimts lika pamatus 20. gadsimta mākslas vēsturei. Viņa gleznas un mākslinieciskā estētika jau sen iedvesmoja modes dizainerus. Citi, piemēram, Aquilano Rimondi, L'Rene Scott un Christian Dior, dizainers, kurš tieši atsaucās uz Klimtu, bija Aleksandrs Makvīns. Kolekcijā Resort Spring / Summer 2013 viņš ir izstrādājis unikālus gabalus, kas, šķiet, ir iedvesmoti no mākslinieka darba. Aplūkojot plūstošu melnu kleitu ar atkārtotu zelta rakstu augšpusē - prātā var nākt konkrēta aina. Makvīns ir izmantojis abstraktus, ģeometriskus un mozaīkas dizainus bronzas un zelta toņos, iekļaujot tos savos dizainos.

1905. gadā Gustavs Klimts uzgleznoja gleznu "Apskāviens", kurā attēlots pāris, kas ieķēries maigā apskāvienā, kas kļuva par mīlestības simbolu. Austriešu mākslinieks ir pazīstams ar savām zelta gleznām, kā arī ar ideālu abstrakcijas un krāsu kombināciju šajos darbos. Visām mozaīkām ir bagātīgi zeltaini toņi ar kaleidoskopiskiem vai dabiskiem rotājumiem, kuriem ir bijusi liela ietekme uz modi. Šī glezna ir pārsteidzoša, jo abu mīļotāju drēbes ir kontrastējošas ģeometriskas formas. Vīriešu apģērbu veido melni, balti un pelēki kvadrāti, savukārt sieviešu kleitu rotā ovāli apļi un ziedu motīvi. Tādējādi Klimts meistarīgi ilustrē atšķirību starp vīrišķību un sievišķību. Aleksandrs pieņēma kaut ko līdzīgu savām drēbēm.

6. Kristians Diors

Impresionisma dibinātājs un viens no izcilākajiem franču gleznotājiem mākslas vēsturē Klods Monē atstāja lielu māksliniecisko mantojumu. Iedvesmai izmantojot Giverny mājas un dārzu, Monē savās gleznās iemūžināja dabisko ainavu. Jo īpaši gleznā "Mākslinieka dārzs pie Giverny" viņam izdevās manipulēt ar dabas ainavu atbilstoši savām vajadzībām. Brūno netīrumu celiņa kontrasts pret ziedu košo krāsu papildina ainu. Slavenais impresionists bieži izvēlējās varavīksnenes ziedu violetās krāsas dēļ, lai radītu spožas saules efektu. Šī glezna ir dzīvības pilna, ziediem ziedot un sveicot, aptverot pavasari. Rožu un ceriņu ziedlapiņas, īrisi un jasmīns ir daļa no krāsainas paradīzes, kas attēlota uz balta audekla.

Gluži tāpat franču modes pionieris Kristians Diors atstāja milzīgu nospiedumu modes pasaulē, kas jūtama vēl šodien. 1949. gadā viņš izstrādāja augstās modes kolekciju pavasara / vasaras sezonai. Viens no šīs izstādes akcentiem bija ikoniskā Dior kleita, kas pilnībā izšūta ar ziedu ziedlapiņām dažādos rozā un purpursarkanos toņos. Dior lieliski ilustrēja abas mākslas un modes pasaules un šajā funkcionālajā tērpā atdarināja Monē estētiku. Viņš daudz laika pavadīja laukos, gleznojot savas kolekcijas savā dārzā Granvilā, kā to darīja Monē. Tādējādi viņš definēja eleganto Dior stilu, savos darbos iekļaujot Monē krāsu paleti un ziedu rakstus.

7. Īvs Senlorāns

Mondrians bija viens no pirmajiem māksliniekiem, kurš 20. gadsimtā radīja abstraktu mākslu. Dzimis Nīderlandē 1872. gadā, viņš nodibināja veselu mākslas kustību ar nosaukumu De Stijl. Kustības mērķis bija apvienot laikmetīgo mākslu un dzīvi. Šis stils, kas pazīstams arī kā neoplasticisms, bija abstraktas mākslas veids, kurā tika izmantoti tikai ģeometriski principi un pamatkrāsas, piemēram, sarkana, zila un dzeltena, ar neitrāliem (melns, pelēks un balts). 20. gadsimta 20. gadu sākuma Pita novatoriskais stils piespieda modes dizainerus reproducēt šo tīro abstraktās mākslas veidu. Labākais šī glezniecības stila piemērs ir kompozīcija ar sarkanu, zilu un dzeltenu krāsu.

Mākslas cienītājs, franču modes dizainers Īvs Sentlorāns savā augstās modes darbos iekļāva Mondriāna gleznas. Pirmo reizi Pita darbs viņu iedvesmoja, izlasot grāmatu par mākslinieka dzīvi, ko viņa māte uzdāvināja Ziemassvētkos. Dizaineris izteica atzinību māksliniekam viņa 1965. gada rudens kolekcijā, kas pazīstama kā Mondrian kolekcija. Iedvesmojoties no mākslinieka ģeometriskajām līnijām un drosmīgajām krāsām, viņš prezentēja sešas kokteiļkleitas, kas atzīmēja viņa ikonisko stilu un sešdesmito gadu laikmetu kopumā. Katra Mondriāna kleita bija nedaudz atšķirīga, taču tām visām bija kopīga vienkārša A līnijas forma un ceļgalu garums bez piedurknēm, kas bija ideāli piemērots katram ķermeņa tipam.

8. Elza Šjaparelli

Elsa Šjaparelli, dzimusi 1890. gadā aristokrātiskā ģimenē Romā, drīz vien izteica mīlestību pret modes pasauli. Viņa sāka attīstīt savu revolucionāro stilu, iedvesmojoties no futūrisma, dada un sirreālisma. Karjeras gaitā viņa mijiedarbojās ar tādiem slaveniem sirreālistiem un dadaistiem kā Salvadors Dalī, Man Rejs, Marsels Dišems un Žans Kokto. Viņa pat sadarbojās ar spāņu mākslinieku Salvadoru Dalī.

Viena no lielākajām sadarbībām modes vēsturē bija Dali un Elsa Schiaparelli sadarbība. Šī kleita tika radīta kopā ar Salvadoru Dali kā daļa no Schiaparelli cirka kolekcijas 1938. gada vasarā. Kleita attiecas uz Dalī gleznu, kurā viņš attēloja sievietes ar izkropļotām ķermeņa proporcijām.

Sirreālisma māksliniekiem ideālās sievietes meklējumi bija lemti neveiksmei, jo ideāls pastāvēja tikai viņu iztēlē, nevis patiesībā. Tomēr Dalī nebija nodoms sievietes attēlot reāli, tāpēc viņu ķermenis nepavisam nav estētisks. Schiaparelli vēlējās eksperimentēt ar šo ķermeņa slēpšanas un atklāšanas spēli, radot neaizsargātības un nedrošības ilūziju. Kleita ar asaru ilūziju tika izgatavota no gaiši zila zīda krepa, godinot Salvadoru un viņa nesamērīgās sievietes.

9. Džanni Versace

Popmākslas laikmets, iespējams, bija modes dizaineru un mākslinieku ietekmīgākais periods mākslas vēsturē. Endijs Vorhols aizsāka popkultūras un augstās modes sajaukumu, padarot viņu par popmākslas kustības ikonu. Sešdesmitajos gados Vorhols sāka praktizēt savu paraksta tehniku, kas pazīstama kā sietspiede.

Viens no viņa agrākajiem un neapšaubāmi slavenākajiem darbiem bija Merilina Diptiha. Šim skaņdarbam viņš iedvesmojās ne tikai no popkultūras, bet arī no mākslas vēstures un abstraktiem ekspresionisma māksliniekiem. Endijs iemūžināja divas Merilinas Monro pasaules, Holivudas zvaigznes sociālo dzīvi un traģisko realitāti - sievieti, kura cīnījās ar depresiju un atkarību. Diptihs pastiprina vibrāciju kreisajā pusē, bet labajā pusē pazūd tumsā un tumsā. Mēģinot pārstāvēt patērētāju sabiedrību un materiālismu, viņš attēloja indivīdus kā produktus, nevis cilvēkus.

Itāļu dizainerei Džanni Versacei bija ilgstoša draudzība ar Endiju Vorholu. Abus vīriešus aizrāva populārā kultūra. Lai godinātu Vorholu, Versace viņam veltīja savu 1991. gada pavasara / vasaras kolekciju. Vienā no kleitām bija Vorhola izdrukas ar Merilinu Monro. Svārkos un maksikleitās viņš iekļāva spilgtos zīdainos Marilyn un James Dean portretus no 1960. gadiem.

Turpinot modes, skaistuma un neparasto ideju tēmu, lasiet arī par to, kā mūsdienu mākslinieki grimu ir pārvērtuši par īstu mākslas darbu.